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Kim Tae Joong

Jul 30 – Sep 13, 2020

There are times when we look into the distance across the vast ocean, the blue color so brilliant that it is nearly blinding, and find that the color suddenly changes to deep blue in our eyes before fading away to leave behind only whiteness. When the blue is no longer blue, we look to see what remains in its place.

Every now and then, Kim Tae-joong mentions a stage where the life and artworks of an artist become one. He explains that artists cannot create what they have never experienced in life. Based on this thinking, it can be viewed that when his interests change and he gains new pastimes, it essentially marks a change of genre in his life. Kim says when the focus of his body, mind, and soul changes from one genre to another, some kind of piece drops off from his heart. And it is when those pieces are put together and shaped, they form a work of art that is unique to Kim. However, through his current solo exhibition, he wishes to shed light on his artistic world by presenting a series of works in blue, instead of works that feature various other colors that appear flamboyant.

His works are fundamentally colorful and primitive. At a glance, the depictions of love, portraits with prominent lines, and direct expressions of thought, among other types of simple-looking scribbles and disorderly representations, appear to be without any narrative. However, these restless and exuberant works can be interpreted as the manifestation of the artist’s unconscious, as well as the expressions of what is familiar to him and his personal philosophy. Unlike the use of multiple colors of paints in <Moving Plants> and <Talking Figures>, the one-line drawings in blue appear transparent and restrained. The thickness of the lines were varied, while the use of color was limited to blue. With respect to Western art history, blue was regarded as an unrefined color and was not used until around the 12th century when it became a symbol of romance, sacredness, and elegance. It is a puzzling color that presents contrasting emotions, making the viewer feel a sense of freedom as well as plaintiveness at the same time. This is the reason blue, which was chosen by the artist unconsciously, does not seem to deviate too far from his artistic style that displays a sense of freedom and at the same time, appears very pure and calm. The Blue series by Kim evokes an image of the Buddhist practice of escaping from agony and reaching a state of peace by achieving no thought and no self, and then entering Nirvana. The fragments of life that have significance to the artist, such as riding a motorcycle or deejaying while being immersed in soulful music, build up to lead to a catharsis at the climax, and the volatilization of thought is viewed as the sublimation of emotions that have been deliberately avoided.

A notable feature of his works is endless drawings that are without any interruptions or signs of hesitation. This is a characteristic technique that has been apparent in his works for quite some time, and it is especially evident in the Wurimjisim series. When it rains, sprouts can grow and form a forest, which leads to the formation of clouds that allows rain to fall again, resulting in a natural cycle that continually occurs. As such, the title, Wurimjisim, referring to a process where it is difficult to determine what is the start and what is the end, is the perfect description of Kim’s line drawings that continue infinitely. The drawing is just like how in life a series of events occur without cessation around the center or a subject, and unpredictable events are added to what seems to be a redundant daily life. The images of a skull, halo, what appears to be a combination of a human and an animal, the Chinese character meaning “heart (心),” and what appears to be tears flowing from wide-opened eyes seem to embody the process of returning to the origin, as though the artist has gone through various religions from Buddhism to Protestantism and to Catholicism before return to the Buddhist thought of samsara, or the eternal cycle of birth, death, and reincarnation. The continuity represents the cyclic approach made by the artist, and the symbols, signs, and words are arranged in the form of a train of thought in the unconscious, symbolizing the haphazardness of life.

Just as his works are situated somewhere along the boundary between the conscious and the unconscious, Kim himself also tries to find motivation to produce works between willful intention and spontaneity. In other words, it is his candid and unhesitant visual records that become his works. Just as Kim, who always appears happy, cheerful, and unpredictable, takes a moment to look back from time to time, Blue when situated amidst his colorful works may be showing the blueness found deep inside him. By emptying everything out, one can overcome agony (dead point) and reach a time where change occurs (equilibrium shift), during which a runner’s high can be felt. And just as the vast sea can at times appear as a white sky, the sentiments in life that we desperately try to avoid end up being confronted face to face and react, and then only the pure blue remains in front of us.

Independent Curator, Ji sun Yim



2020년 7월 30일 – 9월 13일

망망대해 위 끝없이 드리워진 바다를 한참 바라보다 보면 눈이 시리도록 푸르다가 어느 순간 짙은 블루가 휘발되고 아득한 화이트만 남는 색의 변화를 경험할 때가 있다. 블루가 더 이상 블루가 아니게 되는 순간, 그 지점에 남겨진 무언가를 들여다본다.

김태중은 작가가 삶에서 경험하지 않은 것을 그릴 순 없다고 강조하며 삶과 작품이 하나가 되는 일종의 물아일체 경지를 종종 언급하는데 이런 그에게 관심사가 옮겨가고 취미가 생겨나는 것은 삶의 장르가 변환하는 것이라 볼 수 있다. 작가는 심신이 몰두하고 있는 장르가 이동할 때 마다 마음에서 어떤 부스러기가 떨어져 나온다고 말한다. 그 부스러기를 뭉치고 빚어낼 때, 비로소 김태중만의 작품이 된다. 하지만 이번 개인전에서는 캔버스 위 화려하고 다양한 색의 작업들보다 블루로 작업된 시리즈를 모아 그의 작업세계를 더 집중적으로 보여주고자 한다.

그의 작업은 기본적으로 컬러풀하며 원시적이다. 사랑에 대한 묘사나 짙은 선의 초상들, 직접적인 구상 표현들 등 원초적인 낙서와 무질서한 표상들은 설핏 의미 있는 내러티브가 없는 것처럼 보이기도 한다. 그러나 이 쉴 틈 없고 현란한 작업들은 작가 무의식의 발현이자 아주 친근하고 사적인 철학적 세계의 표출로 해석할 수 있다. 그간 <Moving plants>나 <Talking figures> 시리즈 등에서 보여준 다색의 물감 사용과 다르게 블루 컬러 원 라인 드로잉의 작업은 매우 투명하고 절제되어 있다. 선의 굵기는 변주를 주되 색의 사용은 오직 청색으로만 제한되어 있다. 청색은 서양미술사에서 존재하지 않는 미개한 색으로 취급받다가 12세기 이후 에서야 인정받으며 낭만이나 신성함, 우아함의 상징으로 다뤄졌다. 보는 이로 하여금 자유로움을 느끼게 하는 동시에 어딘가 처연함을 자아내는, 양면적인 감정을 선사하는 수수께끼 같은 색이다. 작가가 무의식적으로 선택한 블루가 화려하고 자유로운 그의 작업 스타일을 벗어나지 않으면서도 매우 정제되고 가라앉은 존재감을 드러내는 이유다. 김태중의 블루 시리즈는 무상, 무아, 열반을 체득해 괴로움을 벗어나 평화로운 상태에 도달하는 일종의 불교적 수행을 연상시키기도 한다. 모터사이클을 타거나 소울풀한 음악에 빠져 디제잉을 하는 등 작가에게 있어 부피감이 큰 삶의 단편들이 무게감을 더해갈 때, 그 절정에서 이루어지는 카타르시스, 즉 사념의 휘발이 구태여 외면해온 감정의 승화로 읽히는 까닭이다.

또한 그의 작업의 주요한 특징으로 끊기지 않고 막힘없이 그려지는 무한한 선(endless drawing)을 들 수 있다. 이는 오랜 시간 그의 작업에서 특징적으로 나타나는 기법으로, 대표적으로 ‘우림지심’ 시리즈를 통해 두드러지게 드러난다. 비가 내리면 땅에서 싹이 트고 자라나서 숲을 이루고 그들의 숲이 구름을 만들어 다시 비가 내려 자연의 순환이 반복되는 것처럼 시작과 끝을 알 수 없는 과정을 일컫는 이 단어는 무한히 순환되는 김태중의 라인 드로잉을 적확하게 표현한다. 중심부, 혹은 주체를 중심으로 일련의 사건들이 끊임없이 일어나고, 이 크고 작은 ‘어떤 일’들은 소재가 되어 캔버스 위를 채워 나간다. 마치 우리의 평범한 삶처럼, 반복되는 일상에 예측불가한 사건들이 덧입혀진다. 게다가 해골과 광배, 동물과 사람이 결합된 형식의 이미지나 마음 심(心)자, 그리고 부릅뜬 눈에서 눈물인 듯한 형상이 뚝뚝 떨어지는 표현 혹은 등에는 작가가 불교, 기독교, 천주교 등의 종교를 두루 거치면서 이끌어낸 불교의 윤회적 사상으로 근원에 회귀하는 과정을 담아낸 듯하다. 이처럼 단절되지 않는 연속성은 소재에 대한 작가의 순환적 접근을 나타내며 꼬리에 꼬리를 무는 무의식의 자동완성 기법으로 배열된 상징과 기호, 단어는 삶의 우연성을 상징한다.

김태중 작품이 무의식과 의식의 경계 어딘가에 위치하듯 본인 역시 의도와 즉흥 사이에서 작업의 동기를 찾는다. 즉 직설적이고 거침없는 김태중의 시각의 기록이 작품이 되는 것이다.  즐겁고 유쾌하며 늘 예측 불가능한 행보의 그에게도 잠시 멈춰서 돌아보게 되는 순간이 있듯이, 형형색색의 작품 가운데 위치한 잘 정제된 블루는 아마도 그의 내면 깊숙이 자리잡은 블루일 것이다. 다 덜어냄을 통해 매우 괴로운 시기(사점)을 극복하고 변화가 일어나는 시기(평형 상태)에 느끼는 러너스 하이(Runner’s high)의 카타르시스처럼. 마치 거대한 바다가 하나의 하얀 하늘처럼 보이듯 – 외면하려 해도 끊임없이 마주하게 되는 삶의 정념이 일순간 휘발하고 아주 순수한 블루만 남아 우리와 마주하게 되는 것처럼 말이다.

임지선, 독립기획자

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